学院派创始人：杰利·尤斯曼

　　影像新生代，杰利·尤斯曼，出生于美国汽车工业场面--底特律。
　　19岁高中毕业就时入罗乇斯特技术学院，攻读摄影，四年后，尤斯曼获得了学士学位。然而勤学的他又再度进入印第安纳大学研究教学和艺术史，并取得硕士学位。
　　26岁那年起，他加入佛罗里达大学艺术系的教授群，担任教职，致力于摄影新观念的推行。
　　学院出身的尤斯曼，本着学院派的精神来探讨摄影艺术，先后发表过《影像与技术之变互的关系》（1967）一篇报告得到古金汉奖助金，几乎是史上第一们用学术研究的态度来从事摄影而功成名就的摄影家。1967年，MOMA（现代美术馆）为35岁的尤斯曼举行了一次个人展，奠定他不容置疑的地位；同年影响力最大的CAMERA杂志，也刊载了他的作品，使他树立了国际声望。之后就一直本着学院作风，传授摄影观念与从事景象工作。
　　请看尤斯曼作品之一、 《与自我邂逅的小树林》摄于1967。
　　《尤斯曼作品之二》摄于1976
　　《尤斯曼作品之三》无数的舫行1971
　　《尤斯曼作品之四》摄于1974
　　《替世界全新组合影像--》
　　看到了尤斯曼作品，最常用的图象符号是：女人体、手、岩石、树木、房屋、天空、湖水、海洋等等。
　　尤斯曼用的所有符号都是现实世界的景物，然面他偏偏要将之编成非现实的图象，很明显，他无法满足于世界的秩序，当他感到这个世界肯定会有另个我的对应，或者是多个我的对应，他就在暗房里象变魔术一样，制造出一个新景象、《与自我邂逅的从树林》（之一）。
　　如：《树长在天空上》或《房屋以一片苍穷当天花板》有什么特别用意吗？有时尤斯曼自己也不得不承认，他并不知道到底要表达些什么。我们从自然秩序中可能找到万物会这么被安排下来是有道理；而尤斯曼的全新组合的景象产生很多的疑部。这正是现代摄影的大通性；努力制造让人疑惑的景象，却不向人提示领悟的方式：宁可用尽心力去刺激别人的礼堂，却不顾会不会引起别人的共鸣。 尤斯曼在回忆他走上"集锦摄影"的过程时曾说过： "那时，每当我看到一张单独的照片，就会泄气，我明明知道自己为什么会这样拍，但单独的一张照片并非我心中完整的影象，最后这个困难都在多张底片的集锦处理下，迎刃而解" 尤斯曼全新组合影象，向我们展示了现代摄影家如此急于和现实生活划分界线，用多张底片作集锦放大，这样一来，宇宙中的事物就无一不是不可能的了。

美国当代著名摄影艺术大师杰利•尤斯曼在北京中华世纪坛世界艺术馆地下一层大屏幕厅为在场数百名中国观众做了题为《我的创作过程与观念》演讲，结合屏幕放映展示了其代表作品并阐释了创作心路，介绍了制作设备和创作方法等。他在现场签售了个人作品集《想象的时空》后，举行了新闻发布会。其间中国摄影教育网对杰利大师作了专访。

今年73岁的尤斯曼老人，身材高大，白发苍苍，带着一副黑色的圆眼睛。谈吐幽默，语言清晰，待人热情

                     

尤斯曼其人

英国皇家摄影协会会员，摄影教育协会的创办成员，摄影之友的前任理事美国摄影家杰利•尤斯曼是20世纪60年代在美国占主流地位的“非纪实”类摄影的先锋，“成像后（再合成）”摄影的开创者。尤斯曼的作品全部只有黑白两种颜色，而且不是用照相机直接拍摄下来的，而是通过底片放大机等设备经过暗室合成以及编辑过的，是对自然世界的抽象表现。

退休后，尤斯曼在美国及其他国家举办了一百多次个展。其摄影作品被包括纽约大都会艺术博物馆、加拿大国家美术馆、波士顿艺术博物馆、东京摄影博物馆等在内的众多展馆永久收藏。

值得一提的是他大学毕业刚刚毕业时曾在报社做过记者，满怀雄心壮志的他要改变整个新闻摄影。可是到了报社后却总是被安排“拍一些握手的照片，或者站在一起摆好姿势的照片”。后来他终于发现“自己改变不了他们，他们（报社）只是需要这些死板的照片。”

后成像的创作理念

当日，尤斯曼对其最重要的摄影观念即 “成像后”摄影做了深入诠释。他表示：大多数摄影是“成像前摄影”，即所拍出来的东西，和拍之前作者所看到和想象到的是一样的。“成像后”摄影的魅力就在于能够使摄影师或者艺术家处在一个不断发现的过程当中，就好像许多其它艺术媒介所能提供给艺术家的一样。就像画家在绘画过程中，或者雕塑家在创作雕塑作品时候的构成一样，在艺术家和媒介之间存在着一种对话的关系。

尤斯曼代表作《动物梦境》。大师全部作品都是黑白的，他并非认为黑白作品有特别的魅力，他说：“自己就是喜欢黑白，初学摄影时接触的只有黑白照片，也就一直延续了下了。”

钟爱传统工艺 拒绝photoshop

尤斯曼一生坚持用胶片相机和底片放大机来等传统暗房设备来进行艺术创作，在数字相机，数字图像处理技术大行其道的今天，仍然坚守着手工工艺的阵地，这种坚持在今天的年轻人看来似乎有着些许的固执。举个有趣的例子，大师现场表示：他的妻子正是一位熟练使用photoshop等现代图像处理软件的数码摄影师。1995的一天妻子认为尤斯曼的一幅照片上的一个小人应该有影子，就用photoshop做出了这个影子。尤斯曼没有直接使用妻子通过数字技术加工出来的影子，而是用胶片相机把妻子做的影子拍了下来，这个样子他就在传统胶片上获得了影子的形象，如此一来他得以通过传统照片合成工艺把影子加到了最终作品上，虽然多费了几道工序但却避免了使用photoshop之嫌。

对于大师这令人费解的执著尤斯曼有着这样的解释：“无论你创作的是数码照片还是传统照片，重要的并不在于你用的是传统的还是数字的设备和技术做出来的，受众更关心的是你做出了什么样东西，你给大家带来了怎样的作品。”

尽管尤斯曼对传统工艺有着如此的坚守，但是他还是告诉我们：“我意识到摄影的为来应该会被数字技术所掌控的。”

作品要受众给答案

尤斯曼的艺术作品给观众和他自己留有了一个足够的思考空间，正如他所说“一般来说，自己在创作之前也并不是先确做品主题。”

尤斯曼称：“对于自己的作品来说，并非给要观众一个既定的答案，需要的是观众自己对作品作出解释，希望观众在欣赏作品时有一个创造意识，对于同一幅作品不同的观众会有不同的阐释，对于同一个作品也可能蕴含多重含义。”

“当你在沉思的时候，即在自己内在创造了一个世界，每个人都会有。内在更让人激动，摄影由此成为我和世界的一种联系。”6月2日下午，美国摄影家杰利•尤斯曼在中华世纪坛世界艺术馆演讲时，如是说。

杰利•尤斯曼（以下简称尤斯曼）是20世纪60年代在美国占主流地位的“非纪实”类摄影的先锋，“成像后（再合成）”摄影的开创者，被称为“影像的魔术师”。他的作品不是照相机直接拍摄的，而是经人工编辑后对自然世界的抽象表现。弥足珍贵的是，尤斯曼的作品并非依靠电脑技术合成，而是完全出自传统的暗房制作技法，即通过多架放大机将不同底片上的影像叠合在一张画面上，从而形成“纯手工蒙太奇”的艺术图像。尤斯曼的摄影主要由岩石、树木、河流、船只、人像和静物等元素组合而成，创造出了一个个梦幻般的神奇世界，它们是视觉美的享受，却又是哲学思维所不能解释、现实中无法存在的。

为了让国内摄影爱好者更好地了解尤斯曼的摄影艺术，5月30日至7月15日中华世纪坛世界艺术馆举办了“杰利•尤斯曼摄影展”，从大师近2000幅作品中精心挑选了132幅精品进行展示，对其五十年的摄影艺术创作进行了系统回顾。

近日，记者有幸采访了满头银发，言语睿智的“影像的魔术师”，力图探究其在暗房中创造出的梦幻世界。

暗房里的“炼金”者

外界称尤斯曼为“黑白的冶金者”、“影像的魔术师”，甚至是“宇宙的占星家”，对这些头衔他似乎并不看重，只专注于自己的炼金术——“暗房合成照片”。

炼金术其实是一种自然转化现象，比如将贱金属“铅”转化成贵金属“金”。这一过程，好似艺术家能够将一张普通白纸转化成一幅优美的图画一样。听起来有点像魔术。尤斯曼的“炼金”过程是先拍回大量底片，完成素材收集后，在暗房中进行再次艺术创作，最终创造出让自己也感到惊讶的作品。尤斯曼对这种“炼金”过程如此着迷，以至于他说，生活可以妥协，但艺术不能，要不断发现和创造。为此，他的照片常会有十多个不同版本。谈及创作过程，他说：“我的摄影是新奇的、创造性的时空并移，它们拓展了原始题材的可能性……最终我的希望是使得自己也感到惊奇。”

让外界好奇的是，尤斯曼一直采用传统的暗房制作技法创造摄影作品而拒绝数码成像的新技术？

对此，尤斯曼表示：他的妻子就会使用数码成像，摄影未来确有可能会被数码控制。但是，他还是喜欢永远待在神秘的暗房里，站在电脑前面按键盘，对他来讲很无趣。况且，他喜欢传统胶片的质感、在暗房中工作的过程以及观察图像在化学物品盘中变化的神奇魔力。由于已习惯于使用传统的黑白胶片，他并不觉得计算机/数字材料会为其带来更大的帮助或不同。

有关摄影技术上该守成还是创新的问题，尤斯曼用这样一句话结束这个话题：“是数码还是胶片这不重要，关键看作品的呈现。”

没有答案的审美

熟悉尤斯曼作品的人，会发现他经常采用女人体、鸟、手、岩石、树木、房屋、天空、湖水、海洋等符号，它们会有何特别含义吗？

尤斯曼解释道，自己每件作品的含义都不希望太明确，这些照片是具有隐喻性的，一般不直接陈述主题。他更喜欢让观者自己思考每件作品，并作出自己的解释。有时，他会将自己的照片比做梦。梦和想象是日常生活的反映，但经常会有所扭曲。它们既反映了现实生活中发生过的事，也反映了从未真正发生过的人们的思考和感觉。因此，尤斯曼的照片既捕获了现代生活中的真实，也代表了对普通生活的逃避。

尤斯曼认为，他的照片只是想通过作品表达内心对外界的感受。为此，他还举了个有趣的例子：“假如我们每个人都有相机，围绕一个坛子走一圈，拍一张照片，那么每个人都可以针对这个坛子有不同的解释。你不断拍、走、想，就会慢慢地发现自己的思考道路。看起来有些神秘，实际上只是一个过程。这无关知识性，它是正在发生的。 ”

总之，尤斯曼的作品并不想诉说清晰的故事，而是要让观者沉思。从这个意义上讲，其作品没有统一的“标准答案”。不过，尤斯曼在照片上缔造的“梦幻世界”，确实引发了观者的互动，从而使他们像尤斯曼一样能于沉思中创造属于自我的内在世界。

做自己喜欢的事

尤斯曼1953年进入罗彻斯特理工学院学习摄影，那时的摄影作品还没有多少博物馆重视，作品也很便宜，但今天已然不同了。《照片收藏家》杂志作过一组对比：从1975年至21世纪初，国际图片价格指数上升675%，而道琼斯指数只上升了481%。美国摄影家爱德华•斯泰肯的作品《池塘月色》以 292.8万美元在苏富比拍卖会上创下了摄影作品拍卖的新记录。而这幅作品的最原始销售记录只是75美元。尤斯曼的摄影作品已被世界许多博物馆永久收藏，他如何看待摄影艺术的未来？

尤斯曼回顾道，在若干年前，照片的回报率是很高的，任何人都想象不到照片会这么值钱。当他刚开始拍照时，卖出一幅标价仅有25美元的作品也很难。而现在，包括自己作品在内的一些优秀摄影作品，一幅就能卖10,000美元，甚至更多。他希望艺术家也能获得照片所带来的回报，而不仅仅是让收藏家、展览馆和拍卖行赚钱。

不过，面对摄影作品市场价值高涨的现状，尤斯曼有清醒的认识：艺术家应该能够在自己的生命历程中通过自己的工作获利，但不能让市场成为工作的主导。因为，在艺术面临巨大市场压力的世界上，保持作品的主题和意义将变得极其困难。为此，他给当代中国摄影师的忠告是——做自己喜欢做的事，一件作品不能因为要把它卖出去才做。这是所有的伟大艺术家都必须奉行的准则。尤斯曼自身就是个很好的例证，在二十世纪50年代和60年代拍摄作品时，他的照片曾被视为另类，他的摄影理念也不被大众所接受，而如今他已是享誉世界的摄影大师。

后记

谈及对中国之行的印象，尤斯曼很高兴能够在北京的展览馆和博物馆，以及中国的书籍和杂志中看到许多中国艺术家的摄影作品。他饶有兴致地与国内同行一起对专业技术进行了探讨，并认为他们的作品新鲜、有趣，同时表达了自己友好的祝福。在世界艺术馆的演讲与展览过程中，他惊讶于观众做出的积极反应，看到自己的作品能受到中国观众如此喜爱，令他兴奋异常。

看来，任何被创造出的内在世界都渴望来自他人的关注与认可，艺术的最终目的，或许正是要引发人类心灵的沟通与碰撞。